El ciclo visitará 27 localidades del interior del país y en la capital se presentará en Bluzz Bar.

Durante los 4 viernes del mes de agosto, Bluzz Bar invitará a participar del ciclo a los directores de los cortos, quienes compartirán con el público su experiencia como jóvenes realizadores y lo que significa representar a Uruguay en el mundo.

La iniciativa surge con la intención de ofrecer en un espacio alternativo, cortometrajes que han sido exhibidos y premiados en festivales internacionales de prestigio, lo cual asegura la calidad en la programación seleccionada. Para ello se eligieron 8 cortos que cumplieran con estas características y los Centros MEC del país, según el interés de cada localidad, seleccionaron los 5 cortos que integran el Ciclo. Entre ellos, Ya pasó todo, una producción de Dodecá dirigida por Belén Baptista y Santiago Ventura.

En esta oportunidad, se exhibirán:

• “Noche Fría” de Enrique Buchichio
• “Buen Viaje” de Guillermo Rocamora y Javier Palleiro
• “El Hombre Muerto” de Julián Goyoaga y German Tejeira
• “Ya Pasó Todo” de Belén Baptista y Santiago Ventura
• “Pehuajó” de Catalina Marín

Lugar: Bluzz Bar (Canelones 760 esquina Cuidadela) – Tel. 900.6559
Fechas: viernes 6, 13, 20 y 27 de agosto, 21.00 horas.

Por información:

icau@mec.gub.uy – Tel. 915.7469 | Dodecá Producciones: Ya pasó todo

—Hola, Verónica. Voy a hacer una exposición de fotografías y para eso estoy hablando con varios actores. Mi objetivo es indagar si, a partir del trabajo con imágenes de los rostros, los cuerpos desnudos y el movimiento corporal, el arte puede llegar a revelar el alma humana: vieja aspiración de grandes artistas. Por “alma” entiendo la realidad interior de las personas. Quisiera comprobar si el arte es capaz de captar las experiencias más intimas del ser humano. Si bien busco ese resultado artístico, creo que es importante —tanto para el fotógrafo como para el fotografiado— el trabajo, el proceso y la investigación. Con la fotografía haré lo inverso que la pintura. La pintura toma el cuadro vacío y lo llena. Crea absolutamente todo, hasta las sombras. Cosa que la fotografía y la escultura no hacen. Sin embargo, ¿no deberíamos destruir la foto, deconstruirla y recomponerla, volverla a pintar? Es en ese proceso de “reconstrucción” en que quiero que emerja el alma, la verdad más íntima. En fin, te invito a que participes de esta experiencia.

—Hola, Santiago. Primero, gracias por confiar en mí para este trabajo tuyo, tan personal, en el que estoy segura que estás poniendo muchas horas, cabeza y corazón para que salga de la mejor manera. Quisiera pensarlo bien, porque es muy atractiva la propuesta, pero a la vez es muy difícil. No es fácil desnudar el cuerpo pero tampoco es fácil desnudar el alma. Tratar de decir la verdad es algo que persigo diariamente. Están los miedos lógicos de entrar en esos terrenos dolorosos del alma. Hay una suerte de sentido de auto-conservación frente al dolor.

Meditación sobre un diálogo desnudo: El “momento íntimo”, trabajado por Strasberg y llevado adelante por profesores y actores, ¿es realmente íntimo? ¿Acaso es más íntimo aquel que se masturba que quien se queda diez minutos mirándose las manos? También es posible que el actor puede hacer creer que está develando su alma, pero la pregunta es: ¿de verdad lo está haciendo?

Santiago Ventura

La exposición permanecerá hasta el sábado 14 de agosto y se puede visitar de martes a sábados en el horario de 18:30 a 21hs.

Rebeldía, descontento, contracultura, subcultura, estilo, tribu, negocio. ¿Sigue siendo rock and roll? ¿Sigue siendo juvenil?

Las categorías con que se intenta aprehender el vínculo entre juventud y rock son múltiples y diversas, y han ido variando en las últimas cinco décadas, a medida que ese vínculo también iba trans- formándose. El cine, a través de las películas que hemos escogido para este curso, nos permite ver cómo fueron procesándose esas transformaciones: no sólo en los modos de expresión musical, sino también en las formas de expresión de la juventud, que tuvo en el rock su bandera, su grito y también su espejo.

Desde el “amor y paz” de los 60 y de Woodstock, épocas de rebeldía hedonista, hasta la formulación de esa idea de que “es preferible quemarse que apagarse lentamente”, época de autodestrucción. Desde el“no future” del punk, hasta la actualidad de los temas envasados para iTunes, pasando por la época en que la muerte de los ídolos del rock resultó una buena mercancía.

¿Sigue existiendo, hoy, aquí, en la sociedad global, algún tipo de vínculo entre la juventud y el rock? ¿De qué tipo?

Las clases tendrán lugar los viernes a las 19 hs. y las películas se exhiben el mismo día a las 20 hs. de acuerdo a la programación.

En sus comienzos, el cine de Béla Tarr, un especialista en construir atmósferas oníricas de extensa duración, se inscribía en el género conocido como ficción documental. Este género incluía el uso de actores no profesionales, diálogos improvisados y el uso de la cámara en mano para retratar una realidad descarnada, claustrofóbica, en un contexto sociohistórico caracterizado por el denominado socialismo real.

La preocupación inicial de Béla Tarr por los pro- blemas de las vinculaciones humanas en espacios reducidos, que ya aparecía en su primer largometraje de ficción documental Nido de familia, 1977, se ha ampliado, en la actualidad, hasta adquirir un carácter más general sobre la ontología del poder y la decadencia de las relaciones comunitarias a escala global, tal cuál se evidencia en su último largometraje conocido hasta la fecha, El hombre de Londres, 2007, pero que ya establecía sus pilares fundamentales en 1987 con La condena.

Sin abandonar esta temática que subyace a toda su filmografía, el estilo visual y sonoro de Béla Tarr va adquiriendo un refinamiento formal, tanto en los aspectos compositivos como en la puesta en escena, cuya culminación y reconocimiento internacional llegaría con Armonías de Werckmeister en el año 2000.

Dicho estilo –alejado de cualquier intención alegórica o simbólica: las películas son siempre algo concreto, sólo pueden registrar cosas reales, afirma Béla Tarr–, sin embargo, reconoce ciertas constantes que han ido consolidando su sistema formal, a saber:

- Planos secuencias muy extensos, dilatados en el tiempo, con movimientos coreografiados, tanto de cámara (con sus desplazamientos), como de personajes en el espacio.

- Uso del blanco y negro como opción estética. Es el blanco y negro, el uso contrastado de luces y sombras lo que le permite al director esa particular fusión entre naturalismo y artificio cinematográfico: con el color no puedo controlar la imagen, con el blanco y negro puedo establecer una distancia entre el mundo real y el mundo representado, la imagen de la película, sentencia Béla Tarr.

- Montaje en el cuadro a partir de un uso muy particular de los reencuadres continuos de personajes y objetos que le permite, entre otras cosas, evitar filmar los diálogos con el clásico planocontraplano.

- Una elaboración muy refinada de la imagen y el sonido. El uso del fuera de campo y una elaboración muy particular de la banda musical contribuyen esencialmente a darle ese carácter hipnótico y envolvente a sus movimientos coreografiados.

- Importancia fundamental del desplazamiento de los personajes en un espacio altamente estilizado donde predomina el agua, el lodo y la bruma. En dicho contexto, en sus películas, siempre hay uno o varios personajes en movimiento que deambulan sin destino por ese paisaje apocalíptico: son los famosos paseos de Béla Tarr.

- Supremacía de la forma sobre la narrativa convencional. En el cine de Béla Tarr los argumentos de las historias importan menos que la aproximación obsesiva a los personajes para entender la vida de todos los días… qué es lo que está sucediendo debajo de la superficie.

Heredero de los grandes maestros de la cinematografía mundial, con nombres que van desde Antonioni, Bresson, Mizoguchi y Ozu, hasta Angelopoulos pasando por Tarkovskii y Jancsó, Béla Tarr se erige en la actualidad, junto a unos pocos cineastas más, como un artista superlativo dentro de un panorama global donde prevalece la frivolidad y la pobreza creativa. Vale la pena entonces conocerlo y comenzar a analizar su obra como corresponde.

El curso de Béla Tarr comienza el jueves 17 de junio.

Gotas de video: una forma de hacer propia la vida de la naturaleza cuatro videos unidos por el agua la naturaleza, el ser.

la niebla:

una montaña, la niebla va y viene, el paisaje nos mira interrogándonos. 2009 / formato pal / duración: 4’ 11”

como una lenta gota:

día y noche en el río, un trozo de la poesía “Cuándo ya noches mías” de Idea Vilariño se diluye en la corriente del río. 2008 / formato pal / voz: Uli Schrader / duración: 2’ 21”

vida:

orugas de mariposa transforman un fragmento de la autobiografía de Marosa di Giorgio, lo femenino y lo masculino se transmutan, desde el trayecto de tinta al vuelo. 2008 / formato pal / música: Arvo Part “Spiegel im spiegel” / duración: 6’

espejo de medusa:

el fluir del inconsciente, podemos mirarlo a los ojos, un reflejo escondido, algo se hace conciente. 2010 / formato pal / duración: 4’

Idea y realización: Patricia Flain

Cerca de cumplir los 36 años, la misma edad que tenía su madre cuando fue secuestrada por la última dictadura militar argentina, Nicolás Prividera inicia una investigación para descubrir lo sucedido con su madre, Marta Sierra. Al no encontrar mayores datos sobre su destino ulterior, empieza a indagar en su pasado militante para develar el porque de su desaparición.

“Su niñez estaba poblada de nombres, su propio cuerpo era como un salón vacío lleno de ecos de sonoros nombres derrotados. No era un ser, una persona. Era una comunidad“. Esta cita del escritor William Faulkner se lee en el comienzo de M, el documental de Nicolás Prividera (Argentina, 2007) producido por Pablo Ratto. M ha sido presentada como una película/búsqueda. Por un lado, es la búsqueda de una madre desaparecida por la dictadura militar argentina. Por otro, la búsqueda de esa comunidad de la que habla Faulkner: comunidad anhelada, comunidad dolorida, comunidad donde lo individual y lo colectivo, lo público y lo privado se entrecruzan y cuestionan su realidad.

Tras la exhibición de la película tendremos una charla con su productor, el cineasta Pablo Ratto, quien estuvo en Dodecá, en 2005, y presentó su filme El último confín.

A través de estas obras hemos recorrido las realidades de jóvenes mujeres insertas en contextos cul- turalmente diversos: la de la adolescente americana embarazada para la cual su familia representa un refugio de estabilidad y comprensión -Juno-, la de la madre que en un pueblo africano se rebela contra el orden patriarcal del poblado -Mooladé-, y la de la joven que rechaza las estructuras básicas de la sociedad y muere de frío en una zanja -Sin techo ni ley-.

En el análisis cinematográfico de estas películas hemos observado cómo distintos recursos cinematográficos, tales como la voz en off, el monólogo interior y el uso de la música, son utilizados con la finalidad de conseguir la empatía del espectador, su participación afectiva en una realidad que le es ajena y su cercanía emocional con el personaje que guía la historia. También hemos cuestionado la au- tenticidad de dicho ánimo empático: el hecho de que el realizador nos coloque dentro de su mundo ficticio no implica que éste sea auténtico o verdadero y esto es evidenciado en la resolución de las his- torias y las decisiones que toman sus personajes.

Desde una perspectiva diferente en el arte cinematográfico, la del distanciamiento, y de la mano de Agnés Vardá, seguimos los pasos de un persona- je cuyo trayecto se erige en metáfora brutal de la decadencia de nuestras sociedades actuales, nos confronta como espectadores y exige nuestra participación reflexiva.

Las distintas construcciones dramáticas de estas películas evidencian la necesidad del análisis de la utilización del lenguaje cinematográfico a través del cual los realizadores expresan su visión del mundo y su posición moral respecto de cuestiones humanas fundamentales como los son las de la mujer, la juventud y la familia.

El curso continúa durante los meses de abril y mayo.

Durante el segundo semestre de 2009, este cortometraje se ha exhibido, analizado y discutido en distintas localidades del interior del país y en distintos ámbitos de Montevideo, siempre en el marco de cine-foros orientados fundamentalmente a sectores de la juventud, u organizaciones e instituciones que trabajan con jóvenes: centros de asistencia a la salud, liceos, ámbitos culturales, etcétera.

En el correr de este año, seguiremos con ese trabajo de difusión. Los interesados en exhibir el filme pueden contactar con Dodecá a los efectos de coordinar la realización de un cine-foro en la localidad en que trabajen.

Apoyaron:

• INICIATIVAS SANITARIAS
• ICAU

De pequeño tuve la suerte de tener muchos juguetes. Raramente una valija preparada para un viaje contenía ropa. Todo lo necesario para una ausencia era una selección cuidadosa de mis juguetes. Contexto original o propósito carecían de importancia. Cada objeto sufría una metamorfosis adoptando los papeles y significados que yo les atribuía. Muchas veces creía que cosas que no eran juguetes lo eran. Esta paradoja de que cosa es un juguete todavía me sorprende hoy. Como niño no me permitían jugar con los juguetes de Torres-García. Mis padres pensaban que eran demasiado preciosos y sagrados para que mis manos insensibles jugaran con ellos. De hecho, todos mis juguetes eran sagrados para mí, pero ninguno de ellos parecía llevar esa im- portancia al mundo real. Y los juguetes de Torres-García solamente parecían ser sagrados fuera de mi entorno. Seguramente no era ese el destino que Torres-García les tenía pensado, que terminaran como temas de conversación en algún lugar perdido de un estante. Si cuando niño se me hubiese permitido jugar con ellos, no habrían mantenido ese aura misterioso que todavía tienen para mí. Y ahora voy al Uruguay llevando una valija llena solamente de juguetes de Torres-García. Fueron construidos con mis otros juguetes, aquellos que nunca lograron el respeto merecido fuera de mi mundo y ahora se convirtieron en los objetos sagrados que siempre estuvieron fuera de mi alcance.

Gabo Camnitzer

• Inaugura lunes 26 de abril, 19:30 hs.
• La exposición permanecerá abierta hasta el 31 de mayo.

Nos complace anunciar que el cortometraje Ya pasó todo realizado por estudiantes de la Escuela de Cine Dodecá fue seleccionado para el Festival Internacional Mujeres en foco que tendrá lugar en Buenos Aires, del 5 al 10 de mayo de 2010.

Ezequiel, fue invitado por Dodecá para dar una charla a nuestros estudiantes. En esta oportunidad, a sala llena, conversó con los estudiantes de la Escuela de Cine Dodecá, refiriéndose a su experiencia como joven director y a otros temas vinculados al cine.

Agradecemos al director su visita y su tiempo.

Tenemos el agrado de comunicarles que el cortometraje El pájaro de Comala, producido por Dodecá y realizado por Alejandro Ventura y Matías Ventura, será exhibido en el XII Encuentro de Cine de Marsella, que tendrá lugar del 15 al 22 de marzo de 2010.

Estos encuentros buscan dar al cine latinoamericano una plataforma que permita su difusión en Francia. Los Encuentros de Cine Sudamericano de Marsella son un proyecto de la Asociación ASPAS y se han transformado en un evento mayor de Marsella y la Región de Provenza donde se organizan proyecciones en diferentes ciudades.

La proyección tendrá lugar en los Estudios Decanis, 22 avenue de Saint-Barnabé, 13004 Marseille, el día viernes 12 de marzo, a las 18hs, en una función especial en la que se exhibirán 15 cortometrajes de distintos países de América del Sur (Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, México, Perú, Uruguay y Venezuela).