24 al 30 de junio de 2009 en Bogotá, Colombia

El Espejo es el evento más importante de exhibición de cine de corta y media duración en Colombia. Bajo el lema “Ventanas donde no hay puertas”, en este año el Festival llega a su sexta edición.

Con base en la labor continua del programa de televisión de Canal Capital, la Corporación Audiovisual El Espejo presentará cortometrajes destacados de más de 25 países y creará un clima de cine en Bogotá, permitiendo que de manera gratuita los asistentes se pongan al día en la expresión audiovisual no estereotipada.

En esta sexta edición, participarán varios invitados internacionales, se realizarán 30 proyecciones de cine de corta y media duración, se presentarán 5 eventos teóricos, 2 retrospectivas, 10 muestras (una de ellas la de la Escuela de Cine Dodecá) y 7 festivales internacionales. Todo ello durante una semana y en 6 lugares de proyección. El Festival permitirá una visión de conjunto de la producción de varias regiones de Colombia y, en el panorama internacional, las muestras y festivales invitados completarán una amplia mirada sobre el cine de corta duración en el mundo.

La Escuela de Cine Dodecá ha sido especialmente invitada a participar en este importante festival, donde se exhibirá una muestra que integrará los cortometrajes Máscaras II, Jaula 8 y Ya pasó todo. Un integrante del equipo de Dodecá viajará a Bogotá para presentar el trabajo que la Escuela de Cine lleva adelante desde el año 2003 y para estrechar vínculos con otras Escuelas de Cine del Continente y del Mundo.

La programación detallada del Festival y sus demás características se pueden consultar en el sitio web de EL ESPEJO. La producción del Festival cuenta con el apoyo de la Alcaldía Mayor de Bogotá, el Instituto Goethe – Bogotá, Canal Capital, la Fundación Gilberto Alzate Avendaño, la Cinemateca Distrital, la Dirección de Cinematografía del Ministerio de Cultura de Colombia, la Comisión Nacional de Televisión, la Universidad Central de Colombia, la Biblioteca Nacional de Colombia y el Museo de Arte Moderno de Bogotá entre otros.

El uso de estructuras circulares es un recurso estético presente en prácticamente toda su obra. Si bien su empleo puede ser más o menos evidente, más o menos abstracto, el regreso al punto de partida, habiendo adquirido otro conocimiento a partir del desarrollo de los hechos, construye siempre en el espectador una impresión esencialmente distinta de la misma situación (Repulsión, ¿Qué?, Perversa luna de hiel). El espectador es siempre el observador privilegiado para percibir la doble capacidad de mostrarse de la imagen; un aspecto que remite a otro elemento del compendio cinematográfico de Polanski, el «voyeur». Recurso a partir del cual el espectador, en un constante juego de ubicarse desde los personajes o junto a ellos, observa sin ser visto una imagen que lo compromete en su atracción y repulsión.

Los climas opresivos de sus películas son representados a partir de diversos escenarios: éstos pueden tener lugar tanto en amplios espacios exteriores (es el caso del mar en El cuchillo bajo el agua o la campiña británica en Tess) como en enrarecidos ambientes interiores (Repulsión, El bebé de Rosemary, El inquilino). Estos climas en los que sume a sus personajes (los escenarios y locaciones, el gran trabajo de arte, la fotografía, el diseño de sonido y el diseño de producción) constituyen el marco en el que Polanski explora los dispositivos oscuros de la mente humana e intenta desentrañar las motivaciones profundas de sus personajes dentro de sus relaciones interpersonales, así como la imagen que obtienen de sí mismos al verse reflejados en los otros.

En este sentido, la angulación y la composición del cuadro son elaboradas en función de los lazos de poder establecidos; su cambio y movimiento da cuenta, a su vez, de los pendulares vaivenes y fluctuaciones que tienen estas relaciones entre los personajes (desde El cuchillo bajo el agua hasta La muerte y la doncella, pasando por Chinatown y obteniendo su mayor grado de depuración en Cul-de-sac). Las disputas se representan compositivamente en el espacio cinematográfico y en el movimiento de la escena en el tiempo (Macbeth), trabajados mediante la unidad específica de lenguaje cinematográfico en el cine de Polanski: el plano secuencia. Los personajes entran y salen de cuadro acompañados o dejados de lado por la cámara mientras el encuadre se recompone constantemente.

La construcción del punto de vista se realiza a partir del fluir entre lo neutro y lo subjetivo, estableciendo la transición como un continuum dentro del plano secuencia (El inquilino, Macbeth). A partir de la puesta en escena Polanski une los personajes y establece la conexión entre los distintos hilos de la trama; pudiendo representar un inicio azaroso a partir de un cruce de caminos que pauta con fatalidad el desenlace de la historia (Tess, donde el comienzo es evocado en el final por el espectador hilando así a la distancia la estructura circular característica de su cine).

Polanski es, a fin de cuentas, un realizador que demuestra su solvencia estética en la construcción de un cohesivo estilo propio que permanece a pesar de los altibajos de su obra, inseparables de las turbulencias de su vida. Así como enfrenta a sus personajes al reflejo que los otros les devuelven, Polanski debe, en última instancia, enfrentarse a sí mismo —y a su arte— bajo su propio y particular reflejo, sus películas.

Este mes finaliza el curso de lenguaje cinematográfico El cine de Roman Polanski dictado por el Soc. Alejandro Ventura.

Primero fueron las finanzas globales las que dieron el síntoma más claro de la magnitud de esta última crisis: caídas en picada y en cadena de las bolsas de acciones; quiebra de bancos, cajas de ahorro, empresas de crédito; ejecución de planes de auxilio de los Estados para salvar con cifras de más de doce ceros a entidades y corporaciones que perdieron sus fichas en el casino mundial de la especulación financiera. Luego, la crisis comenzó a mostrar su profundidad (quizás su auténtica matriz) en los índices de crecimiento negativo de la economía real: desempleo, caída de la producción, el consumo y la inversión. Se especuló sobre las posibilidades de que ciertas regiones emergentes (China, Sudeste Asiático, Brasil, etc.) se “desengancharan” de la crisis, pero la globalidad efectiva de la economía se mostró en toda su magnitud: no hay eslabones sueltos en la cadena de la economía mundial. El famoso aleteo de la mariposa neoyorquina terminó provocando un huracán en Pekín, Bombay, Moscú, Ciudad del Cabo, San Pablo…

¿Y qué tiene que ver todo esto con la juventud?: Poco y mucho.

Poco, porque la inmensa mayoría de los jóvenes parecen estar por fuera o pasar de largo ante estas cuestiones que involucran sofisticados y complejos mecanismos de política económica y de economía política. Más allá de las manifestaciones que muchos jóvenes “altermundistas” han protagonizado con ocasión de la realización de distintas cumbres mundiales de líderes políticos y representantes del poder económico, las cuestiones de economía parecen resultarle del todo ajenas a la gran mayoría de la juventud.

Mucho, porque la constitución de la juventud como categoría global —considerada en su carácter social y cultural— está directamente relacionada con la imposición económica de la globalización. Fue a mediados del siglo pasado, por la época en que la globalización comenzó a imponerse sin discusión, cuando la juventud tomó una faz planetaria: ya fuera que se manifestara en rebeldía, a través de movimientos sub y contra culturales, o que lo hiciera de forma conformista, adoptando el sistema de la moda y el consumismo uniforme. Y hoy día, cuando las crisis se suceden y profundizan, es la juventud el grupo social que se resiente en primer lugar: los indicadores de pobreza, exclusión y desempleo, son más altos cuanto menor es la edad de las poblaciones consideradas.

Atendiendo a estos dos aspectos —la desinformación y el impacto que la economía global tiene sobre la juventud— es que proponemos este curso de Cine. Nos interesa considerar la dimensión real de la crisis económica actual y el modo en que impacta en la juventud de nuestra época. Y nos interesa hacerlo de manera tal que los propios jóvenes puedan hacerse una idea clara sobre estos asuntos que, seguramente, no les son ni les serán ajenos.

Montevideo Fantástico es el único festival especializado en películas de terror, fantasía y ciencia ficción en Uruguay. El primer Montevideo Fantástico se realizó en 2005 con el fin de dar difusión y cabida a materiales que no podían encontrar un espacio de exhibición en Uruguay. Este IV Festival, organizado por Arte 7, había seleccionado además el cortometraje La cosa hecho también por estudiantes del curso de profundización, el cual tuvo muy buena acogida por parte del público.

Nuestras felicitaciones para los realizadores.

“El arte nos entristece en otro aspecto. Nos recuerda constantemente nuestra imperfección, ya porque al parecernos perfecto se opone a nuestra imperfección, ya porque el hecho de que ni siquiera el arte es perfecto es la señal de nuestra mayor imperfección. Por esta razón los griegos, padres humanos del arte, eran un pueblo infantil y triste. Y el arte quizá no sea, en su forma suprema, más que la infancia triste de un dios futuro, la desolación humana de la inmortalidad presentida”.

Fernando Pessoa

Las formas abstractas de Cardozo se modifican, abandonan los trazos de grafito y se desarrollan alrededor de grandes manchas, casi volumétricos por las sombras que parecen generar a su alrededor, como masas de color, se “elevan” de la tela; un fondo que —como un muro por el que ha pasado mucho tiempo, complejamente trabajado con tintas que generan un mundo de pequeñas formas e infinitos matices y contornos— mantiene siempre su característica parquedad en colorido. También se mantiene su grafía —inconfundible para el ojo atento— y su dominio de la composición —fina, armónica y equilibrada— en la que se funden razón y sensibilidad; lo objetivo y lo subjetivo; lo abstracto y lo concreto; el cálculo y la espontaneidad. “El arte supremo” —señalaba Fernando Pessoa— “es el resultado de la armonía entre la particularidad de la emoción y de la razón, que pertenecen al hombre y al tiempo, y a la universalidad de la razón que, para pertenecer a todos los hombres y tiempos, no es de ningún hombre ni de ningún tiempo. De este modo, el producto formado tendrá vida en cuanto concreto y organización en cuanto abstracto. Aristóteles estableció este concepto, de una vez y para siempre, en una frase que recoge toda la estética: un poema, dijo, es un animal“. Estos “organismos vivos” de Eduardo Cardozo son el resultado de largas horas de trabajo en su taller, en las que no siempre pinta; durante mucho tiempo observa, piensa, medita, una “contemplación activa” que sólo interrumpe en los momentos de dar paso a esa “acción pasiva” que es el pintar.

Inés Moreno

La muestra permanecerá hasta el sábado 18 de julio y se puede visitar de lunes a sábados en el horario de 18:30 a 21hs.

Nos complace anunciar que dos cortometrajes de estudiantes de los cursos superior y de profundización de la Escuela de Cine Dodecá, Entre las vías y La cosa, han sido seleccionados para competir en la sección de cortometrajes del IV Festival Internacional de Terror y Ciencia Ficción en Uruguay «Montevideo Fantástico» que tendrá lugar entre el 15 y el 22 de mayo en la sala del Cine Universitario.

Ambos cortos se exhibirán el viernes 15 de mayo 19:30 hs. en la Sala Lumiere de Cine Universitario

Montevideo Fantástico es el único festival especializado en películas de terror, fantasía y ciencia ficción en Uruguay. El primer Montevideo Fantástico se realizó en 2005 con el fin de dar difusión y cabida a materiales que no podían encontrar un espacio de exhibición en Uruguay. En 2008, para la III edición de este festival organizado por Arte 7 había sido seleccionada una producción de Dodecá: El pájaro de Comala. Este año la Escuela de Cine Dodecá participará con dos producciones estrenadas el año pasado. Vayan nuestras felicitaciones a los realizadores de los dos cortometrajes seleccionados.

Nos complace anunciar la exhibición del filme Un puente demasiado largo, de Alejandro Ventura y Matías Ventura (Uruguay 2007, documental producido por DODECÁ), en la Sección Cine Independiente de Uruguay del 5º. Festival Internacional de Cine Independiente de Mar del Plata, que se desarrollará entre el 2 y el 9 de mayo del corriente en dicha ciudad Argentina.

Inauguración: Miércoles 22 de abril, 19:30hs.

Hace pronto treinta años —en agosto de 1979— prologué una muestra de Gladys Afamado en la Alianza Uruguay–EEUU. Era su primera exposición individual, después de muchos años de trabajo artístico, y de una visibilidad lograda a través de emprendimientos colectivos. Señalé en ese texto que Gladys había dado un giro en su obra, tanto a nivel técnico como de imagen; mientras el público e incluso la crítica continuaban pagando tributo a un cliché que la ubicaba como una artista refinada instalada en “un mundo delicado y femenino, dominado por apacibles rostros y por pájaros y flores”. Algunos adjetivos que entonces utilicé tenían que ver con la dificultad de aceptar un espacio de género en las artes visuales, algo que a esta altura considero ineludible para ubicar a algunas creadoras.

Gladys Afamado fue incorporando a sus grabados en linóleo, difundidos a través de numerosas ediciones de Club de Grabado de Montevideo, el uso de nuevos recursos expresivos, como el gofrado, y sumó una mayor cuota de humor —e incluso de ironía— a sus historias gráficas. Siguió desde entonces y hasta ahora incorporando nuevos materiales y técnicas a su manejo expresivo. En un rápido recorrido puedo recordar los “criptolitos” —piedras pintadas— mostrados en 1983, una ambientación en el Museo Blanes, sus grandes imágenes digitales del 2000 en el Museo de Arte Contemporáneo, la permanencia de su entusiasmo por los nuevos lenguajes que se integran a manejos textiles en sus libros de artista del 2007 en la Sala Sáez. Para llegar a esta opción textil diferente, con un blanco y negro dominante, que se instala en Dodecá, en un traslado singular de sus antecedentes gráficos y poéticos.

Olga Larnaudie

La muestra permanecerá hasta el sábado 30 de mayo y se puede visitar de 18:30 a 21hs.

A partir del análisis de películas en apariencia tan disímiles como Amelie, A los trece y La joven vida de Juno, se observó cómo distintos recursos cinematográficos son utilizados para la misma finalidad: la consecución de la empatía del espectador, su participación afectiva y emocional en una realidad que le es ajena.

En el caso de Amelie, el uso que se hace de la voz en off introduce al espectador en la historia y lo coloca en el lugar de la protagonista, introduciéndonos cómodamente en un mundo naïf y fantástico donde fácilmente es posible cambiar el curso de los acontecimientos y la vida de las personas. En Juno, el monólogo interior de la protagonista nos da la mano para acceder rápidamente a un mundo igualmente encantador. En el caso de A los trece, el empleo de la “técnica documental” de registro de las imágenes (cámara inquieta, móvil) proporciona la participación afectiva del público: es, siguiendo una lectura muy común, “como si estuviéramos allí”, en el lugar de los hechos.

Es así que el ánimo empático de estas realizaciones se empeña en acercarnos a sus jóvenes protagonistas, a vivir la historia junto a ellas. Sin embargo, y a pesar de que éste parecería ser el primer motivo por el cual estarían presentes estos recursos, queda siempre la interrogante de qué es lo que realmente piensan o sienten las protagonistas.

No necesariamente empatía es sinónimo de autenticidad. El hecho de que el realizador nos coloque dentro de su mundo ficticio no implica que éste sea auténtico o verdadero y esto queda claramente revelado en la feliz resolución de cualquiera de estas tres historias.

En el marco de este análisis, una película como Bienvenidos a la casa de muñecas se presenta como una realización totalmente distinta en cuanto que no se propone la empatía con la joven protagonista que, desde el principio al final, es objeto de ininterrumpidas agresiones. De la misma manera que en Ya pasó todo, la intención no es participar de la afectividad del personaje sino tan solo acompañarlo a la distancia. No se usan aquí aquellos recursos cinematográficos que nos acercan a la emoción. El espectador sabe que está viendo una película y esa distancia perturbardora lo insta a la reflexión.

Coherentemente con su voluntad no empática, el comportamiento de la protagonista de Bienvenidos a la casa de muñecas es tan objetable y cruel como el de todos los demás ya que Solondz se niega a dotarla de un carácter distinto y bueno. Sin embargo, la recreación en esta película de una sociedad que tras su fachada ordenada oculta la destrucción, la soledad, incomunicación, crueldad e hipocresía de sus individuos, es tanto más sobrecogedora y potente que la construcción de las películas anteriores debido a su mayor autenticidad y honestidad.

En Bienvenidos a la casa de muñecas como en Ya pasó todo las historias de las protagonistas no se resuelven, pero las interrogantes sobre los personajes y la sociedad en la que están insertos han quedado planteadas.

De esta misma manera podemos confrontar el uso de la técnica documental de A los trece con el de Sin techo ni ley (Agnès Varda, Francia 1985). Mientras que de la primera obtenemos un dudoso acercamiento al proceso de una joven en un entorno destructivo, en la segunda seguimos los pasos de un personaje que, sin ser tal, nos confronta, y cuyo trayecto se erige en metáfora brutal de la decadencia de nuestras sociedades actuales, mucho más dramática, si se quiere, en su distanciamiento.

El taller fue dirigido a estudiantes de los Cursos Superiores de la Escuela de Cine Dodecá, a los que se sumaron estudiantes de la Licenciatura de Ciencias de la Comunicación tras un acuerdo coordinado sobre la base de un Convenio Marco de Cooperación firmado por ambas instituciones.

Una de las enseñanzas más claras que dejó el taller fue la importancia de pensar con criterios claros un diseño de sonido desde el comienzo de una realización cinematográfica hasta su confección final. En tal sentido, la palabra compuesta, “audiovisual”, apela a un resultado sintético de valor cinematográfico más sustantivo que los elementos visuales y sonoros por separado.

Partiendo de un refinado análisis del tratamiento del diseño sonoro de distintos ejemplos fílmicos (hubo una programación especialmente propuesta para este taller) y de la lectura de diversos textos teóricos, se desarrollaron los intercambios conceptuales con el docente. De ese abordaje teórico se pasó inmediatamente a desarrollar un trabajo práctico, en el cual los distintos grupos de estudiantes plasmaron sus intenciones de diseño sonoro en la realización de una producción audiovisual.

La discusión teórica fue muy rica. También fue muy fructífero el intercambio entre estudiantes de la Escuela de Cine y estudiantes de la Licenciatura de Comunicación de la Universidad, plasmado en el trabajo en equipos integrados por estudiantes de ambas instituciones.

Fueron días de trabajo intenso que culminaron con cuatro breves audiovisuales. Los estudiantes de ambas instituciones, Dodecá y la Licenciatura, evaluaron el intercambio en forma muy positiva, proponiendo repetir experiencias como esta. ¡Qué así sea!

Inaugura: Miércoles 18 de marzo 19:30hs

Recorrer el taller de Octavio Podestá es una experiencia recomendable. Objetos que consideraríamos de desecho atiborran el espacio de trabajo, pedazos de madera y de hierro, cadenas, tubos, perfiles, tablas y un sinfín de elementos recrean un espacio de trabajo peculiar, bañado por una luz cenital que otorga cierta monocromía a todo el ambiente.

Octavio Podestá trabaja con esos materiales en desuso generando esculturas que los reconceptualizan, esculturas en las que los colores y las texturas algunas veces están dados por los propios materiales y en otras son neutralizados por una capa de pintura.

Sus esculturas, que van de lo abstracto a lo casi figurativo, son composiciones articuladas, constructivamente claras, todo lo cual constituye un estilo muy personal. Su obra se caracteriza por lo experimental y por lo inventivo, disposiciones del artista que dan lugar a diversas soluciones plásticas. Podestá investiga la incorporación del color a sus composiciones. Dentro de esta línea de trabajo se incluyen estas maquetas, en las que el color se suma a las articulaciones plásticas de las esculturas como un elemento compositivo que contrasta claramente con el valor cromático de la materialidad de los objetos en desuso, utilizados desde siempre por el artista.

¿Por qué hacer una exposición con una serie de maquetas? La pequeñez de nuestra sala no admitiría las grandes esculturas de Podestá. No obstante, las maquetas permiten visualizar el trabajo del escultor como si estuviera terminado, o en una fase avanzada de su proceso, y la escala de la maqueta nos aventura a imaginar otras dimensiones, dimensiones que desconocemos en su resultado final.

La muestra permanecerá hasta el 19 de abril y se puede visitar de 18:30 a 21hs.

CURSO BÁSICO DE CINE

Los primeros días de abril inician los Cursos Básicos de Cine para el año 2008 de la Escuela de Cine Dodecá.

• El curso básico para menores (12 a 18 años) comenzará el día sábado 18 de abril en sus dos horarios: matutino, de 9.30 a 13.30hs y vespertino, de 14.30 a 18.30hs.
• El curso básico para mayores (19 a 25 años) comenzará el martes 14 de abril en su horario de 19 a 21hs.

Los cursos básicos culminan con la realización de un cortometraje.

CURSO BÁSICO DE FOTOGRAFÍA

(Foto 1: Primer Semestre)
El taller estará a cargo del fotógrafo Juan Ángel Urruzola, docente de la Escuela de Cine Dodecá.

Se centrará en adquirir los conocimientos básicos del manejo de la cámara, la composición y la iluminación. Se realizarán ejercicios prácticos. El curso es de dos horas semanales, los lunes de 19 a 21hs. El taller culmina con una muestra en el mes de julio.

Inicio: lunes 9 de marzo

CURSO TEÓRICO-PRÁCTICO DE FOTOGRAFÍA

(Foto 2: Anual)
El taller estará a cargo del fotógrafo Juan Ángel Urruzola. Se centrará en la relación entre fotografía y cine, avanzando en la exploración de ese vínculo y su sustento: la mirada, la memoria, la autoría, la narración con imágenes, la foto fija en cine, la imagen digital y el futuro. El curso es de dos horas semanales, los miércoles de 19 a 21hs. Para realizar este curso se requerirá tener conocimientos básicos de manejo de cámara.

El taller culmina con una muestra a fin de año (ver muestra del año 2008)

Inicio: miércoles 15 de abril

CURSO DE ACTUACIÓN PARA CINE

(Anual – Vespertino)
El curso estará a cargo del director y actor teatral, Ramiro Perdomo, docente de la Escuela de Cine Dodecá. Se desarrollará experimentando técnicas de actuación en torno a ejercicios planteados ante cámara y con grabación de sonido. El curso es de dos horas semanales, sábados de 14:30 a 16:30hs.

Inicio: sábado 14 de marzo

CURSO DE ACTUACIÓN PARA CINE

(Anual – Nocturno)
El curso estará a cargo del actor Augusto Mazzarelli, docente de la Escuela de Cine Dodecá. Se desarrollará experimentando técnicas de actuación en torno a ejercicios planteados ante cámara y con grabación de sonido. El curso es de dos horas semanales, los miércoles de 19 a 21hs. Finaliza con la participación en la realización de un cortometraje con estudiantes de la Escuela de Cine Dodecá.

Inicio: miércoles 11 de marzo

CURSO DE LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO 1

El curso estará a cargo del Sociólogo Alejandro Ventura, docente de la Escuela de Cine Dodecá. Se desarrollará en base a ciclos de cine temáticos y clases de análisis. Las clases son de una hora de duración, los viernes a las 19hs. y los filmes se exhiben en distintos días según la programación de Dodecá.

Inicio: viernes 6 de marzo

CURSO DE LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO 2

El curso estará a cargo del Sociólogo Alejandro Ventura, docente de la Escuela de Cine Dodecá. Se desarrollará en base a ciclos de cine de distintos directores y clases de análisis. Las clases son de una hora de duración, los jueves a las 19hs. y los filmes se exhiben los jueves a las 20hs. de acuerdo con la programación de Dodecá.

Inicio: jueves 5 de marzo

INSCRIPCIONES E INFORMACIÓN

Escuela de Cine Dodecá
San Nicolás 1306 (Carrasco-Punta Gorda) Tel 600 08 87
info@dodeca.org _ www.dodeca.org

Horario de consultas: Lunes a Sábados de 9 a 21 hrs.